CLASICISMO:
- ¿Qué es el clasicismo?
El clasicismo es una corriente de pensamiento estética e intelectual que tuvo su apogeo en los siglos XVIII y XIX, abarcando desde 1730 a 1820, aproximadamente, inspirado en los patrones estéticos y filosóficos de la Grecia Clásica.
Se expresó en todos los dominios del arte, desde la arquitectura y la música hasta la pintura y la literatura. Aparece junto con el Manierismo, que a su vez dio paso al Barroco y éste al Rococó; siendo renovado a través del Neoclasicismo y atacado por el Romanticismo.
- Diferentes aspectos:
Todas las artes, entre ellas la música, estaban concebidas como un adorno para la aristocracia, y por lo general, eran impersonales y objetivas, ya que lo importante era el resultado de la producción, no la personalidad del artista.
A diferencia de las artes plásticas, en las que se pudieron tomar los modelos de la antigüedad, en la música no fue posible. Por eso el nombre de clasicismo en música se toma no como imitación de los modelos de la antigüedad, sino como sinónimo de proporción, equilibrio y belleza formal.
- Características generales de la música clásica:
La música en el clasicismo es cortesana, refinada, elegante, objetiva y poco emocional.
Forma: Sonata, Sinfonía, Concierto solista, Cuarteto…
Melodía: Claridad, frases nítidas y regulares que se abren y cierran con ciertos reposos.
Estilo: Homofónico o vertical. Se trata de acompañar una melodía o tema. Poca utilización del contrapunto.
Armonía: Clara y no cromática. Las disonancias se resuelven satisfactoriamente.
Ritmo: Sencillo, regular, con silencios intercalados, como descansos contrastantes entre temas y melodías.
Dinámica: Es tranquila, sin bruscos crescendos o diminuendos.
Instrumentación y orquestación: La música instrumental es más importante que la vocal. Sientan las bases de la orquestación moderna. Como la extensión de los instrumentos es aún reducida, evitan registros extremos. Empieza a desarrollarse el piano.
Aparecen los conciertos públicos.
Gran expansión de la música editada.
- Opera en general:
La ópera del siglo XVIII experimentó también muchos cambios. En Italia, donde había nacido, había perdido mucho de su carácter originario de drama con música (había llegado a ser un conjunto de arias escritas para el lucimiento de las habilidades de los cantantes). Varios compositores europeos reintrodujeron los interludios instrumentales y los acompañamientos como elementos importantes, utilizaros las intervenciones corales y dieron variedad a las formas y estilo de las arias. También trataron de combinar grupos de recitativos, arias, dúos, coros y secciones instrumentales dentro de las mismas escenas.
El mayor interés del público, tanto aristocrático como burgués, estaba centrado en la ópera, y el centro principal de actividad y de controversias era París. Hay una tendencia hacia temas de la vida cotidiana en contraste con la ópera seria, de corte metatarsiano, con temas históricos y mitológicos de carácter trágico. En esto, resulta algo similar a la ópera buffa napolitana. Sin embargo, se diferencia de ésta en que, continuando la tendencia francesa del siglo anterior, cada vez se le da más importancia a la palabra y al drama, dando así origen a la ópera comique, término que no se refiere a un aspecto cómico, sino a la comedia como término teatral, y en tal sentido reflejando la comedia dell ‘arte del renacimiento italiano.
ÓPERA:
- ¿Qué es?
La voz ópera designa, desde aproximadamente el año 1650, un género de música teatral en el que una acción escénica es armonizada, cantada y tiene acompañamiento instrumental (en algunas ocasiones con pequeños adornos), donde los actores utilizan estilos poco comunes al cantar. Las presentaciones son ofrecidas típicamente en teatros de ópera, acompañados por una orquesta o una agrupación musical menor. La ópera forma parte de la tradición de la música clásica europea u occidental.
- Partes de la ópera:
- OBERTURA: Una obertura es la introducción instrumental de una ópera u otra obra dramática, musical o no. Algunas composiciones instrumentales independientes de los siglos XIX y XX también fueron llamadas oberturas por sus compositores, como es el caso de Obertura Las Hébridas de Felix Mendelssohn.
- ARIA: Un aria es una pieza musical para ser cantada por una voz solista sin coro, habitualmente con acompañamiento orquestal y como parte de una ópera o de una zarzuela. Antiguamente, era cualquier melodía expresiva frecuentemente, aunque no siempre, ejecutada por un cantante. En todo caso, es una composición teatral o musical de finales del Renacimiento compuesta para ser ejecutada por un solo intérprete.
- DUO: El dúo es una composición musical para dos ejecutantes, instrumentales o vocales. Cuando se trata de dos instrumentistas se suele hablar de dúo (Dúo de violines), reservándose el término dueto (diminutivo de dúo) para las composiciones de dos cantantes. Además de ser una composición musical, se conoce por este nombre a la formación musical de dos intérpretes.
- RECITADO: Forma musical concebida para la voz humana que se caracteriza por tener las inflexiones de esta voz cuando dialoga. El recitativo se usó en la ópera, el oratorio y la cantata durante los s. XVII al XIX. Los artífices de este revolucionario invento fueron los italianos Giulio Caccini (1551-1618) y Jacobo Peri (1561-1633), ambos del círculo intelectual de la Camerata fiorentina.
En la ópera el recitativo sirve para separar las arias. Por otro lado hay un tipo de recitativo en canto llano, que ya existía desde hace siglos en la iglesia y en el drama litúrgico. Se diferencia del canto llano por su precisión rítmica, por su armonización y por el tratamiento afectivo de las palabras.
Es una forma de canto, normalmente para una sola voz, que se asemeja a palabra, donde el músico debe indicar las inflexiones de la voz. Se llama recitativo a este tipo de canto porque se aplica a la narración, al relato y se utiliza en el diálogo dramático. No se rige por un tempo ni una forma determinada.
- INTERLUDIO: Un interludio (Del lat. interludĕre, jugar a ratos). es una pieza o pasaje musical que se interpreta entre dos partes o secciones de una misma obra(canción).
En ocasiones puede aparecer entre las escenas de una ópera, como ocurre con los "Sea Interludes" de la ópera de 1945 Peter Grimes, del compositor británico Benjamin Britten.
Durante el siglo XVIII, se intercalaban estos pasajes entre los versos de los himnos o de los salmos. En este último caso, los organistas solían improvisarlos. Hoy día se conservan algunos ejemplos escritos de este tipo. También se pueden encontrar algunos interludios corales para órgano, como sucede en In dulci jubilo, del compositor barroco alemán Johann Sebastian Bach.
MOZART.
Nació el 27 de Enero de 1756 en Viena y murió el 5 de Diciembre de 1791.
Fue un compositor y pianista austriaco, maestro del Clasicismo, considerado como uno de los músicos más influyentes y destacados de la historia.
Sus prodigiosas dotes musicales fueron pronto observadas por su padre, Leopold, que decisió educarlo y simultáneamente exibirlo como fuente de ingresos.
A los seis años, Mozart era ya un intérprete avanzado de instrumentos de tecla y un eficaz violinista, al mismo tiempo que demostraba un extraordinaria capacidad para la improvisación y lectura de partituras.
En 1762 Leopold empezó a llevar a su hijo por las cortes europeas de gira. Múnich y Viena fueron las ciudades por las que comenzó y, en 1763 emprendió un viaje que duró tres años y medio y que le supuso numerosas experiencias.
Cuando regresó a su ciudad natal, continuó sus composiciones, entre las que encontramos la ópera cómica La finta semplice.
Con trece años fue nombrado Konzertmeister del arzobispado de su ciudad.
En Roma fue nombrado por el Papa Caballero de la Espuela de Oro.
En 1770 escribió su primera ópera, Mitridate, con la que su reputación se hizo aún más patente.
Llegó a Mannheim, capital de la música en Europa, donde se enamoró de Aloysa Weber. La muerte de su madre, el rechazo de Aloysa y numerosas cosas más hicieron que esta época fuera muy dura para Mozart.
Durante los años siguientes compuso misas, sinfonías y alguna ópera.
Mozart se ha considerado el compositor más destacado de la música occidental y su influencia fue profundísima, tanto en el mundo germánico como en el latino. Su extensa producción incluye casi todos los géneros y en cualquiera de ellos podemos encontrar obras maestras que nos hacen recordar la apasionada opinión de Goethe al referirse al compositor.
HAYDN.
Fue un compositor austriaco nacido en 1732 que murió en el año 1809.
Fue uno de los compositores más prominentes y prolíficos del periodo clásico. Es conocido como el Padre de Las Sinfonías y el Padre de los Cuartetos de cuerdas, debido a sus importantes contribuciones en estos géneros de la música clásica. También tuvo una participación clave en el desarrollo del Trío para piano y de la forma fundamental de la sonata.
Casi toda su vida vivió en Australia excepto en 1790, año en los que hizo dos viajes a Londres.
Estuvo aislado de la influencia de otros compositores y de las tendencias de la música en otros países, con excepción de la última parte de su vida, por lo que fue forzado a ser original en sus composiciones.
Fue amigo de Mozart y maestro de Beethoven y tuvo una enorme influencia en la música de los posteriores compositores clásicos.
La mayor parte de la obra de Haydn fue producida a lo largo de seis décadas 1749-1802 y se manifiesta en un incremento constante de la complejidad y sofisticación musical, que se desarrolló a medida que Haydn fue aprendiendo de su propia experiencia.
A principios de la década de 1770, Haydn empieza a crear obras musicales más grandes, apasionadas y audaces.
Algunas de sus composiciones más famosas son La Sinfonía de los Adioses, la Sonata para piano en do menor, Los Seis cuartetos de cuerda en Opus 20...
BEETHOVEN.
Nació en Alemania en 1770 y murió en Viena en 1827. Nació en el seno de una familia de origen flamenco. Su padre que vio las cualidades que su hijo tenía para su hjio intentó hacer de él un segundo Mozart, aunque con escaso éxito.
La verdadera vocación de este compositor no comenzó verdaderamente hasta 1779, cuando conoció a Christian Gottlob, el que se convirtió en su maestro y el que le introdujo en el estudio de Bach, a quien tenía un gran devoción.
En 1787 hizo un viaje a Viena donde recibió clases de Mozart. Pero la enfermedad de su madre le obligaron a regresar a su ciudad pocas semanas después de su llegada.
En 1792 se fue a la capital austrica y conoció a Haydn y se dio a conocer como compositor y pianista en un concierto. En 1796 le comenzó la sordera , lo que le privó por completo de la facultad auditiva.
Sus últimos años de vida estuvieron marcados por la soledad y una progresiva introspección, pese a lo cual siguió su labor compositiva. Fue la época en la que escribió su obras más impresionantes y avanzadas.
